Dino Lenny ci racconta “Piano Lessons at Eight”

Dino Lenny torna su Rekids con un EP intimo che analizza il rapporto tra formazione classica e dancefloor, preferendo la schiettezza dell’errore umano alla noia della perfezione digitale.

Dino Lenny è sicuramente un artista che guarda da una prospettiva più solida, senza seguire trend passeggeri ed effimer. Capace di stampare nel corso degli anni su etichette di riferimento come R&S, Diynamic, Innervisions e Bedrock senza mai snaturare il proprio suono, il producer residente a Londra è tornato di recente su Rekids, la label guidata da Radio Slave, con l’EP “Piano Lessons at Eight“.

Il disco, disponibile dallo scorso 24 aprile, si sviluppa come un racconto personale e scuro. Il filo conduttore parte dalle lezioni classiche di pianoforte dell’infanzia per arrivare alle dinamiche del club, arricchito da una traccia complementare grazie al remix percussivo di Tal Fussman. Abbiamo intercettato Dino per una chiacchierata molto schietta, una di quelle interviste senza filtri in cui emerge chiaramente la visione di un professionista che rifiuta le formule matematiche in studio e che ha molto chiaro in testa come fare un disco in grado di sfidare il tempo.

Ecco cosa ci ha raccontato Dino Lenny e occhio alla chiusa dell’ultima domanda!

Ciao Dino, benvenuto su Parkett Channel. “Piano Lessons at Eight” suona davvero compatta. Dal punto di vista della produzione, come hai lavorato sul groove per renderlo così solido e coerente dall’inizio alla fine?

A essere sincero non c’è nessuna formula scientifica dietro. Bilanciare i volumi è probabilmente la cosa più importante. Secondo me le proporzioni e la giusta distanza tra gli elementi sono il segreto della bellezza.

Il pianoforte che sentiamo nell’EP è suonato dal vivo da te con tutte le sue naturali “imperfezioni”, o hai preferito fare dell’editing dopo per renderlo più funzionale per il dancefloor?

Definisci “perfezione”. Non lo so, quando si parla di strumenti cerco sempre di immaginarmi le persone che suonano e fanno jam con il sorriso sulle labbra o una smorfia in faccia. A volte un accordo è semplicemente parte di un groove: finché mi fa muovere la testa, non mi interessa se è convenzionale o meno. Anzi, dopo un po’ finisco per innamorarmi delle parti più assurde o, come dici tu, delle “imperfezioni”. Però sì, il posizionamento e l’editing sono tra le parti più importanti.

Hai fatto uscire tracce su R&S, Diynamic, Innervisions, Crosstown Rebels, Strictly Rhythm, Bedrock e ovviamente Fine Human Records. Il punto è che la tua identità resta sempre ben definita senza mai suonare “fuori posto”. Qualche consiglio per i nuovi produttori (e anche per quelli esperti) su come non perdere la propria identità mentre si inseguono più uscite discografiche?

Non saprei davvero cosa suggerire. Per me è più facile perché sono in giro da parecchio tempo, quindi il risultato delle mie produzioni è una sintesi della mia esperienza nell’ascoltare così tanti grandi artisti; dopo un po’ diventi come una grande spugna. Se avessi 10 anni in meno o in più, sarei un artista diverso. Essere originali e non cercare di suonare come qualcun altro è il miglior consiglio che posso dare. Concentrarsi sulle idee invece di passare ore su una cassa è probabilmente la strada da seguire. I dischi non devono per forza suonare perfetti e noiosi.

Secondo te, oggi nel mondo della produzione musicale è ancora necessario saper suonare davvero uno strumento o nel 2026 considerando anche l’ascesa dell’IA avere un buon orecchio è sufficiente per fare una traccia che funziona?

No, non c’è bisogno di saper suonare uno strumento, ma aiuta. Quando ho in mente qualcosa e mi serve un tocco speciale, chiedo ai miei amici musicisti di fare un salto da me e unirsi alla sessione, come dico in questa traccia: “We need to mix, we need to blend. It’s the way forward” (Dobbiamo mescolare, dobbiamo fonderci. È la strada da seguire). Se te ne esci con qualcosa di nuovo e unico, l’IA non sarà mai un problema. Un buon orecchio basta e avanza. Se hai una mente aperta e hai ascoltato un sacco di buona musica, sei a posto.

Vediamo molti produttori esplodere con una sola hit e poi sparire poco dopo. Tu sei in giro da un sacco di tempo, qual è il segreto tecnico o mentale per non farsi inghiottire dal sistema (uso questo termine deliberatamente) e continuare a far uscire musica che suona fresca ancora oggi?

Oggi succedono un sacco di cose per via dell’hype sui social e tutto il resto. Le opportunità arrivano, e quando è il tuo momento devi farti trovare pronto. Non faccio mai pezzi per l’oggi. Mi chiedo sempre: come suonerà questo disco tra 15 o 20 anni? Supererà la prova del tempo? Ovviamente vivo anche il momento e sono influenzato dal periodo in cui mi trovo, ma quando sei in giro da 30 anni devi mettere in conto che alcune tracce che fai saranno migliori di altre. È tutto un processo ed è fantastico, a patto che tu senta di evolverti e di andare da qualche parte. In sostanza devi farlo per te stesso, senza mai competere con gli altri perché ognuno di noi ha una storia diversa.

Tal Fussman ha spinto forte sulle percussioni. Ti ha sorpreso il modo in cui ha reinterpretato la traccia o era esattamente la direzione in cui speravi per completare l’EP?

Tal è uno dei migliori in circolazione in questo momento, è il tipico esempio di qualcuno che si diverte in quello che fa e che ha cultura musicale. La sua musica non ha una data di scadenza. Non mi ha sorpreso affatto, so cosa sa fare.

Dopo anni di carriera e collaborazioni importanti, cosa ti motiva ancora a metterti in gioco con un’uscita così personale e introspettiva specialmente su un’etichetta come Rekids?

Rekids e Radio Slave sono sulla mia stessa lunghezza d’onda e abbiamo lo stesso approccio. Riconosciamo certe vibrazioni e in un certo modo siamo legati per via del nostro passato e del nostro presente. Probabilmente è una questione generazionale, un po’ come con R&S e Renaat. Facciamo semplicemente quello che ci piace.

Hai suonato ovunque, dai piccoli club ai palchi principali. Vedi questo nuovo EP più adatto a un set intimo o pensi che possa dire la sua anche nei grandi festival?

Lo suono ovunque. Non sono il tipo di DJ che evita di suonare un pezzo perché la location non è quella giusta. Come direbbe Bowie: “I am a dj i am what I play” (Sono un dj, sono quello che suono). No, ma davvero, non mi interessa un granché, di solito suono per me stesso. Devo divertirmi io per primo.

Parlando di Fine Human Records: come scegli i dischi da far uscire oggi? Cerchi sempre qualcosa di vicino al tuo sound o punti a farti sorprendere da quello che ti mandano gli artisti più giovani?

Beh, in realtà è proprio così, ecco perché non faccio uscire molti altri artisti. Mi piacciono i giovani produttori, a patto che non cerchino solo la visibilità. La musica viene sempre prima di tutto. Trovo difficile accontentare tutti di questi tempi. So che là fuori è dura, ma cerco di stare alla larga dalle situazioni complicate: quindi, se qualcuno è bravissimo ma è anche un rompicapo, passo oltre senza pensarci.

C’è un synth o un plugin che è stato fondamentale per il sound di “Piano Lessons at Eight” e di cui non avresti potuto fare a meno?

Non proprio. Penso che il Moog abbia un bel punto caldo per fare le sue cose, ma in generale credo sia più una questione di atmosfera e di scenario immaginativo.

Ho visto che da gennaio CORE è diventato un appuntamento settimanale — ti va di raccontarci qualcosa in più?

Sta andando bene, abbiamo qualche milione di ascoltatori, quindi abbiamo pensato di trasmettere anche alcuni dei dj set dal nostro palco di CORE. L’ultimo episodio del mese è il classico Core Radio, dove presento i promo più recenti e il ReCore del mese. È divertente, ma mi tocca anche ascoltare un sacco di dischi di merda.