In occasione dell’uscita di “Land Of Many”, il nuovo EP pubblicato su Planet Rhythm, Uakoz inaugura un nuovo capitolo del suo percorso artistico. L’intervista.
Italiano di nascita e londinese d’adozione, Uakoz si è affermato negli anni grazie a uno stile energico e fortemente orientato al groove, in cui techno, Hardgroove, dub techno e influenze UK, Detroit techno e dub convivono in un equilibrio personale e riconoscibile.
Dopo il debutto nel 2015 con l’EP in vinile “Handtrace” sull’etichetta Elevate di Pig&Dan, ha costruito un percorso costante fatto di produzioni pubblicate su label come KMS, Pushmaster Discs, Laburum e Planet Rhythm, oltre a esibirsi in club e festival di riferimento come E1, Junction 2, Sisyphos e Melkweg. Con “Land Of Many”, già sostenuto da artisti del calibro di DVS1, Ben Sims, Dave Clarke, Steffi, Dubfire e Slam, firma una delle sue uscite più complete e rappresentative, confermando una ricerca sonora sempre più matura e incisiva. Ne abbiamo parlato direttamente con lui in questa intervista.
Benvenuto su Parkett. “Land Of Many” arriva in un momento particolarmente entusiasmante della tua carriera. Qual è il messaggio principale che speri gli ascoltatori portino con sé dopo aver ascoltato questo EP?
Prima di tutto, grazie per avermi ospitato su Parkett. Di solito non cerco di trasmettere un messaggio preciso attraverso la mia musica. Credo che ogni brano debba lasciare spazio all’interpretazione personale di chi lo ascolta.Detto questo, i titoli che scelgo spesso riflettono qualcosa che è già presente all’interno della traccia. A volte nasce da un vocal, da un suono o semplicemente da una sensazione che mi suggerisce un’immagine o uno stato d’animo. Altre volte, invece, il titolo è legato al processo creativo. Ad esempio, Greed è nata come una sfida personale: costruire un brano utilizzando pochissimi elementi. È stato un modo per ricordarmi che, molto spesso, la creatività nasce proprio dai limiti.
“Land Of Many” rappresenta invece l’idea opposta: la musica come uno spazio dalle possibilità infinite, sia dal punto di vista creativo che umano. Quando scrivo un brano, immagino sempre che possa portare energia e creare una connessione tra persone completamente diverse, unite per qualche ora dalla stessa esperienza. Se anche solo una persona riesce a dimenticare tutto il resto e a perdersi completamente nella musica, allora questo EP avrà raggiunto il suo scopo.
Il tuo sound è sempre stato caratterizzato da un forte senso del groove. Come si è evoluto il tuo approccio alla produzione nel corso degli anni e cosa ti ha insegnato questo disco su te stesso come artista?
È curioso, perché ho scritto l’intero EP mentre studiavo Audio Production e Sound Engineering. Tre dei brani “Greed”, “Sloth” e “Pride” sono stati realizzati come parte del mio progetto finale universitario e mixati in Dolby Atmos.
È stato un periodo molto intenso, in cui dovevo conciliare ricerca tecnica, scadenze accademiche e produzione musicale. Quella pressione mi ha insegnato una lezione importante: non potevo permettermi di inseguire la perfezione. Dovevo fidarmi del mio istinto, prendere decisioni rapidamente e rimanere fedele al mio gusto e alla mia identità musicale.
Guardandomi indietro, credo che sia proprio questo l’insegnamento più grande che mi ha lasciato questo disco. A volte sono proprio i limiti a costringerti a smettere di analizzare tutto e semplicemente creare. Abbracciare il concetto del “less is more” ha reso la musica più sincera e diretta.Le conoscenze tecniche acquisite durante gli studi hanno sicuramente affinato il mio orecchio, ma soprattutto mi hanno dato la sicurezza necessaria per fidarmi delle mie intuizioni.
Ho capito che sapere di più non significa pensare di più, ma prendere decisioni migliori con maggiore consapevolezza. Oggi il mio approccio è molto più intenzionale e focalizzato. Sono molto più selettivo nella scelta dei suoni, degli arrangiamenti e di ogni decisione creativa e tecnica. I miei standard si sono alzati notevolmente, non perché insegua la perfezione, ma perché ho imparato che un buon disco non nasce aggiungendo sempre qualcosa in più: nasce sapendo esattamente cosa merita di rimanere.
Negli ultimi anni si è parlato molto della rinascita dell’Hardgroove e della techno incentrato sul groove. Tu hai sempre abbracciato queste sonorità: come vivi questo rinnovato interesse e cosa pensi stia riportando il groove al centro della scena?
Ho sempre prodotto e ascoltato la musica che mi emoziona davvero, piuttostoche seguire ciò che spopola in un determinato momento. Per questo motivonon considero il groove qualcosa che sia “tornato”: per me non se n’è maiandato. Credo che, come ogni genere musicale, anche la techno attraversi dei cicli. A volte alcuni suoni/generi diventano così dominanti da mettere in una certapenombra altri, ma questo non significa che tutto il resto sia scomparso;semplicemente sta lì e continua a evolversi.
Penso anche che ciò che le persone stiano riscoprendo sia proprio il tipo diconnessione e il ritmo dominante, appunto “Groove”, che riesce a creare neldancefloor e nei singoli individui che l’ascoltano. Non chiede attenzione: ti coinvolge e trascina in modo naturale in una danza energetica e accattivante.
L’intelligenza artificiale sta diventando una parte sempre più presente della produzione musicale, dalla composizione al mastering. Qual è il tuo punto di vista su questi strumenti e dove pensi che dovrebbe essere tracciato il confine?
Essendo un sound engineer, la tecnologia fa parte della mia quotidianità. Nonevito l’intelligenza artificiale, anche se posso dire che la uso veramente pernulla; la considero uno strumento utile per confrontare il mio lavoro e trarnealcuni semplici benefici.
Per esempio, utilizzo strumenti di separazione delle tracce (stem separation) o software come Ozone, non perché voglia che l’IA masterizzi i miei brani alposto mio, ma per confrontare il mio mix e capire dove possa essere migliorato o se ci siano eventuali problemi. A volte la utilizzo per avere un secondo parere su quale versione di un mix funzioni meglio, oltre ai miei amati colleghi che si prendono la briga di ascoltare le mie tracce e darmi pareri.
Mando un grande abbraccio a loro. Detto questo, non delegherei mai la creazione del prodotto finale interamenteall’intelligenza artificiale. Personalmente non mi sembrerebbe un approccio onesto né verso me stesso né verso chi ascolta la mia musica. Alla fine della giornata insegno anche produzione musicale. Immaginate di trovarvi davanti auna classe o anche a una singola persona e cercare di insegnare come si produce musica quando, in realtà, tutto ciò che fate è lasciare che sia l’IA a crearla. Solo a pensarci mi sentirei a disagio.
I social media sembrano avere un ruolo sempre più importante nel determinare la visibilità di un artista. Come riesci a rimanere concentrato sulla musica senza lasciarti influenzare troppo dagli algoritmi e dalle aspettative del mondo online?
Non c’è dubbio che i social media siano diventati una parte importante per unartista, ma cerco di mantenere una netta separazione tra il creare e il comunicarlo. Passo decisamente più tempo a produrre o scoprire musica chea creare contenuti. Quando pubblico qualcosa, di solito è perché ho davvero qualcosa da condividere, non perché sento il bisogno di dare qualcosa in pasto all’algoritmo o di rimanere rilevante.
Certo, a volte ho pensato a come presentare qualcosa online o a come rendere un post più coinvolgente; fa parte della comunicazione moderna. Ma non sono mai entrato in studio pensando a come una traccia avrebbe performato sui social. Quando faccio musica, penso alla sala, all’impianto audio, alle persone, all’atmosfera, e alla sensazione che un brano può creare in quel momento. È l’unico posto da cui voglio che nascano le mie scelte creative.
Hai suonato in alcuni dei club e festival più importanti d’Europa. Quali cambiamenti hai notato nel pubblico negli ultimi anni e in che modo hanno influenzato il tuo modo di costruire i DJ set?
Uno dei cambiamenti più grandi che ho notato è che il pubblico è diventato molto più preparato e allo stesso tempo mentalmente coinvolto. Spesso anche disposto a seguirti in direzioni inaspettate, purché tu costruisca il percorso in modo genuino e pensato. Questi cambiamenti hanno sicuramente influenzato il mio modo di approcciare i DJ set.
Man mano che il pubblico è diventato più aperto verso la musica energetica,anche i BPM si sono alzati, e mi sono genuinamente adattato. Prima di scoprire la techno, ho passato molto tempo ad ascoltare Hardtek, Tekno,Breakbeat e Drum & Bass, e quelle influenze continuano a plasmare il modo in cui costruisco l’energia durante un set.
Cerco di leggere costantemente la sala, rischio di più e improvviso molto più di quanto facessi prima, infatti, oggi mi fido molto di più del mio istinto che di qualsiasi playlist preparata in anticipo. Posso arrivare con una selezione di tracce, incluso materiale inedito, ma una volta che sono davanti al pubblico,sono sempre i ballerini ad avere l’ultima parola o meglio, danza.
Planet Rhythm è una delle etichette più storiche e rispettate della scena techno. Cosa l’ha resa la casa giusta per Land Of Many e in che modo lavorare con loro ha influenzato questa uscita?
L’EP “Land Of Many” non è stato originariamente scritto pensando aun’etichetta specifica. Come ho detto, alcune tracce sono state create per ilmio progetto universitario. Ma in qualche modo, credo che il mio subconscio fosse sempre allineato con i suoni che Planet Rhythm propone e con il tipo dimusica che amo e che loro potrebbero pubblicare.
Da oltre tre decenni, rappresenta un livello di coerenza e qualità che pochissime etichette sono riuscite a mantenere. È un nome e un logo che quasi ogni DJ conosce, soprattutto chi suona in vinile. È un punto di riferimento della techno, che ha contribuito a plasmare il sound di molti artisti che ammiro da anni. Far parte di questa storia è qualcosa di cui sono davvero orgoglioso.
Ciò che mi ha sempre attratto di loro è la capacità di abbracciare diverse sfumature della techno: dal dub al Detroit, dall’ipnotico al deep, mantenendo però un’identità ben chiara e senza compromessi. Lavorare con loro su questa release è stato incredibilmente fluido, professionale e preciso, ma soprattutto sorprendentemente caldo, umano e di supporto. In un settore dove è così facile concentrarsi rigidamente su numeri, algoritmi o discografia passata, ho apprezzato profondamente che loro credessero semplicemente nella musica in sé, e in nient’altro.
Anche dopo quattro vinili e due CD pubblicati, la sensazione di avere tra lemani un disco fisico di un’etichetta leggendaria resta unica. Pubblicare con Planet Rhythm non sembra solo un’altra release; sembra che la mia musica abbia trovato un posto a cui appartiene naturalmente.
Ogni giorno viene pubblicata nuova musica e la vita di un brano sembra essere sempre più breve. Come affronti la creazione di dischi destinati a durare nel tempo, invece di inseguire semplicemente le tendenze del momento?
A dire il vero, non è che stia in studio a pensare a quanti anni durerà una traccia. Non la vedo in questo modo. Ciò che conta per me è che una tracciaparta da un’idea forte, entusiasmante e coinvolgente. Da lì, mi concentro sul farla suonare nel miglior modo possibile, curandoli l’ arrangiamento e allo stesso tempo immaginando come potrebbe funzionare su diversi dancefloor.
Parlando di trend, non li vedo come una minaccia. Anzi, li trovo affascinanti e a volte persino ispiranti. Ogni epoca porta nuove idee, e credo sia perfettamente giusto abbracciare tutto ciò che risuona davvero con te, purché resti onesto rispetto a chi sei e, soprattutto, ti soddisfi come artista prima di tutto.Il mio obiettivo è che, tra tanti anni, io possa riascoltare i miei dischi con orgoglio e soddisfazione, anche se suoneranno datati, e spero sia esattamente ciò che prova anche chiunque abbia suonato una di queste tracce, ogni volta che le riascolta.
Molti artisti parlano della difficoltà di conciliare creatività, tour e presenza online. Come proteggi il tuo spazio creativo e cosa continua a ispirarti quando sei lontano dallo studio?
Per fortuna, al momento la creatività non è qualcosa con cui faccio fatica. In un certo senso ho sempre nuove idee che scorrono, ma non ogni progetto diventa una traccia finita. Quando succede, riciclo gli elementi che ritengo valga la pena portare avanti in un nuovo progetto. Cerco di non buttare mai via del tutto il lavoro fatto, così ho sempre qualcosa su cui lavorare.
A dire il vero o purtroppo, il touring non è qualcosa che devo bilanciare quanto altri artisti al momento, dato che non ho mai avuto un agente o un booker,quindi la maggior parte delle mie opportunità fuori Londra sono arrivate direttamente da promoter che mi hanno contattato dopo aver scoperto la mia musica. Non faccio un vero e proprio tour dal 2018, quando ho avuto il piacere di essere invitato a suonare a Los Angeles dalla crew Cognition (un saluto a Stephen Disario e a tutti quelli coinvolti; sono ancora grato per quell’esperienza incredibile).
Quindi bilanciare touring e spazio creativo non è davvero la mia sfida più grande in questo momento; si tratta più di proteggere tempo ed energia tra le sessioni in studio e tutto ciò che comporta essere un artista oggi. Fuori dallo studio, i film sono probabilmente la mia più grande fonte di ispirazione. Spesso campiono dialoghi ed effetti sonori, ma sono altrettanto affascinato dai suoni inaspettati della vita quotidiana.
Può essere qualcosa di semplice come un ramo d’albero che colpisce ripetutamente un palo di ferro,creando da solo un ritmo imprevedibile. Ascolto anche una grande varietà di musica mentre vado in bici, mi alleno o vado a sentire altri artisti esibirsi. Assorbo costantemente musica e idee, filtrando con il mio gusto tutto ciò che cattura davvero il mio orecchio.
Guardando al futuro, cosa ti entusiasma di più dell’attuale panorama della musica elettronica e dove immagini che si diriga il tuo percorso artistico nei prossimi anni?
Al momento sono davvero affascinato dall’impatto sonoro, dall’espansione e dall’evoluzione che sta spingendo i confini della techno moderna. Ho molto rispetto per il sound ad alta energia proposto da etichette come Molekul,BCCO e Transitions, ma mi piace anche quello che stanno pubblicando altre etichette ormai affermate come Molecular Recordings, Hardgroove Rec e Mutual Rytm. Mi piacerebbe esplorare e approfondire queste estetiche nei miei progetti futuri, restando comunque fedele alla mia identità.
Guardando al futuro, il mio obiettivo è lanciare una mia etichetta, continuare a pubblicare musica con costanza e, ovviamente, suonare di più in giro per il mondo. Trovare la giusta agenzia di booking è anche un obiettivo importante,perché mi piacerebbe dedicare ancora più tempo alle esibizioni e al contatto con nuovo pubblico. È stato anche un periodo molto entusiasmante a livello personale.
Ho recentemente vinto il SURU contest remix per “Ubik” di Timo Maas,originariamente pubblicato nel 2000, e il remix uscirà su Perfecto Records,l’etichetta di Paul Oakenfold, il 28 agosto 2026. Non vedo l’ora che la gente lo ascolti.
ENGLISH VERSION
Welcome to Parkett. “Land Of Many” arrives at a particularly exciting point in your career. What’s the main message you hope listeners take away from this EP?
First of all, thank you for having me on Parkett. It’s a pleasure to finally talk about my music, my creative process, and the vision behind it with you.I usually don’t try to force a specific message into my records; I believe music should leave space for personal interpretation. However, Land Of Many reflects how I see music as a space with endless possibilities, both creatively and in terms of the people who experience it.I
I always try to imagine how and in which ‘Land’ the music I make could bring energy, unity, and connection to a room full ‘Of Many’ diversities. It’s an invitation to lose yourself in the music, but also to find yourself connected to everyone else around you. If someone can forget everything else for a few minutes and become completely immersed in that moment, then the EP has achieved exactly what I hoped it would.
Your sound has always been driven by a strong sense of groove. How has your approach to production evolved over the years, and what did making this record teach you about yourself as an artist?
Interestingly, I wrote the entire EP while studying Audio Production and Sound Engineering. Three of the tracks, Greed, Sloth, and Pride, were created as part of my final major project and mixed in Dolby Atmos. It was an intense period, balancing technical research, academic deadlines, and music production all at once. That pressure taught me something valuable: I couldn’t afford to chase perfection. Instead, I had to trust my instincts, make decisions quickly, and stay true to my own taste and musical identity.
Looking back, that’s probably the biggest lesson this record taught me. Sometimes limitations force you to stop overthinking and simply create. Embracing the idea of “less is more” made the music feel more honest and direct. The technical knowledge I gained through my studies certainly refined my ears, but more importantly, it gave me the confidence to trust my instincts.
I realised that knowing more doesn’t mean overthinking more; it means making better decisions with greater confidence.Today, my approach is much more intentional and focused. I’m far more selective with sounds, arrangements, and every creative and technical decision I make. My standards have become much higher, not because I’m chasing perfection, but because I’ve learned that a strong record isn’t about adding more; it’s about knowing exactly what deserves to stay.
There’s been a lot of discussion around the resurgence of Hardgroove and groove-focused techno. As someone who has long embraced these sounds, how do you view this renewed interest, and what do you think is bringing groove back to the forefront?
I’ve always made the music that genuinely excites me rather than following what was popular at the time. That’s why I don’t really see groove as something that has ‘come back’; for me, it never went away. Like every genre, techno goes through cycles. Sometimes certain sounds become so dominant that they overshadow everything else, but that doesn’t mean the rest has disappeared; it is just there, evolving. I think what people are rediscovering is that groove creates a very different connection with the dancefloor.
It doesn’t ask for attention; it naturally draws you in. Trends will always come and go, especially in today’s fast-moving music landscape. What’s important is staying connected to the music that genuinely moves you.
Artificial intelligence is becoming an increasingly common part of music production, from composition to mastering. What’s your perspective on these tools, and where do you think the line should be drawn?
As a sound engineer and part-time tutor, technology is my daily bread. I don’t avoid AI; I use it as a tool for comparison and workflow. For example, I use stem separation or tools like Ozone for mastering. But even if I never used it to master for me. Instead, I use it to compare my mix and help me understand where the track can have improvements or issues. I also use AI sometimes to get a second opinion on which mix sounds better. However, I would never delegate the creation of a final product entirely to AI.
Personally, it wouldn’t feel honest or authentic, both with myself and with the audience. At the end of the day, I also teach music production. Imagine standing in front of students for a masterclass, trying to teach them how to make music, when all you do is use AI? I feel embarrassed just thinking about being in that kind of situation…My honest opinion is that it can be a great assistant to speed up technical tasks, but the soul, the decision-making, and the human ‘imperfection’ must always belong to the artist.
Music is about the intention, the decisions, and the personality behind every choice. That’s something I don’t think AI can replace the way I want.
Social media seems to play a bigger role than ever in shaping an artist’s visibility. How do you stay focused on the music itself without being overly influenced by algorithms and online expectations?
Social media has undoubtedly become an important part of an artist’s,but I try to keep a clear separation between creating music and communicating it. I definitely spend far more time making or discovering music than creating content. When I post something, it’s usually because I genuinely have something I want to share, not because I feel the need to feed an algorithm or stay relevant.
Of course, I’ve sometimes thought about how to present something online or make a post more engaging; that’s part of modern communication. But I’ve never walked into the studio thinking about Instagram or whether a track will perform well on social media. When I’m making music, I’m thinking about the room, the sound system, the people, the atmosphere, and the feeling a track can create in that moment. That’s the only place I want my creative decisions to come from.
You’ve performed at some of Europe’s most respected clubs and festivals. What changes have you noticed in audiences over the past few years, and how have those shifts influenced the way you approach your DJ sets?
One of the biggest changes I’ve noticed is that audiences have become much more knowledgeable. Today, people have access to an endless amount of music, so naturally, their expectations are higher. At the same time, I think crowds have become more open-minded. They’re often willing to follow you in unexpected directions, as long as you build the journey in a way that feels genuine.Those changes have definitely influenced the way I approach my DJ sets. As audiences became more open to higher-energy music, tempos naturally evolved too, and I’ve genuinely enjoyed adapting to that.Before
Before discovering techno, I spent a lot of time listening to Hardtek, Tekno, Breakbeat, and Drum & Bass, and those influences still shape the way I build energy throughout a set.
Today, I trust my instincts much more than any playlist I’ve prepared. I might arrive with a selection of tracks, including unreleased material, but once I’m standing in front of a crowd, the dancers always have the final say.I constantly read the room, take more risks, and improvise far more than I used to. Every crowd has its own personality, and I enjoy adapting to that.
Planet Rhythm is one of techno’s most established labels. What made it the right home for “Land Of Many”, and how has working with the label helped shape the release?
“Land Of Many” EP wasn’t originally written with any label in mind. As I mentioned, some of the tracks were created for my final university project. But somehow, I think my subconscious was always aligned with the sounds of Planet Rhythm and the kind of music I love and that they could release.
For over three decades, it has represented a level of consistency and quality that very few labels have managed to maintain. It’s a name and a logo that almost every DJ knows, especially those who play on vinyl. It’s a landmark of techno, having helped shape the sound of many artists out there whom I’ve admired for years. Becoming part of that history is something I’m genuinely proud of.What has always drawn me to them is their ability to embrace different shades of techno: from dub and Detroit to hypnotic and deep, while keeping a very clear, uncompromising identity and credibility.
Working with them on this release was incredibly smooth, professional, and precise, but above all, surprisingly warm, human, and supportive. In an industry where it is so easy to focus strictly on numbers, algorithms, or past discography, I deeply appreciated that they simply believed in the music itself and nothing else.
Even after four vinyl records and two CDs have been released, the feeling of holding a physical record from a legendary label is unique.Releasing on Planet Rhythm doesn’t just feel like another release; it feels like my music has found a place where it naturally belongs.
With new music being released every day, the lifespan of a track often feels shorter than ever. How do you approach making records that can stand the test of time rather than simply follow current trends?
To be honest, I don’t really sit in the studio thinking about how many years a track will last. I don’t look at it that way. What matters to me is that a track starts with a strong, exciting and captivating idea. From there, I focus on making it sound as good as possible, arranging it carefully while visualising how it could perform on different dancefloors.Talking
Talking about trends, I don’t see them as a threat. I actually find them fascinating and sometimes even inspiring. Every era brings new ideas, and I think it’s completely fine to embrace anything that genuinely resonates with you, as long as it feels honest to who you are and ultimately satisfies you as an artist first.
My goal is that, years from now, I can listen to my records proudly and with satisfaction, even if it sounds old, and I hope that’s exactly what anyone who’s played one of these tracks feels too, whenever they hear it again.
Many artists speak about the challenge of balancing creativity, touring and maintaining an online presence. How do you protect your creative space, and what keeps you inspired when you’re away from the studio?
Outside the studio, films are probably my biggest source of inspiration. I often sample dialogue and sound effects, but I’m equally fascinated by unexpected sounds in everyday life. It could be something as simple as a tree branch repeatedly hitting an iron pole, creating an unpredictable rhythm all by itself. I also listen to a wide variety of music while cycling, working out, or going to hear other artists perform. I’m constantly absorbing music and ideas, filtering with my own taste anything that genuinely catches my ear.
Looking ahead, what excites you most about the current state of electronic music, and where do you see your own artistic journey heading over the next few years?
Luckily, creativity isn’t something I struggle with at the moment. I kind of always have new ideas flowing, but not every project becomes a finished track. When that happens, I recycle elements I believe are worth carrying into a new project. I try never to throw work away completely, Having always something I can work on.Sadly/ To be honest, touring isn’t something I have to balance as much as some artists at the moment, as I’ve never had an agent or a booker, so most of my opportunities outside London have come directly through promoters who reached out after discovering my music.I
I haven’t properly toured since 2018, when I had the pleasure of being invited to play in Los Angeles by the Cognition crew (shout-out to Stephen Disario and everyone involved. Still grateful for that amazing experience). So balancing touring and creative space isn’t really my biggest challenge right now; it’s more about protecting time and energy between studio sessions and everything else that comes with being an artist today.
Outside the studio, films are probably my biggest source of inspiration. I often sample dialogue and sound effects, but I’m equally fascinated by unexpected sounds in everyday life. It could be something as simple as a tree branch repeatedly hitting an iron pole, creating an unpredictable rhythm all by itself. I also listen to a wide variety of music while cycling, working out, or going to hear other artists perform. I’m constantly absorbing music and ideas, filtering with my own taste anything that genuinely catches my ear.
