“Panta Rei” e l’identità percussiva di Ehua

La producer e DJ italo-ivoriana Ehua, con base a Londra, ha attirato l’attenzione fin dal debutto con Diplozoon (Femme Culture, 2018). Da allora ha remixato per Ninja Tune, si è esibita in festival internazionali di rilievo e avviato una residenza su Rinse FM, dove ogni mese esplora i territori percussivi della techno sperimentale.

A Nextones 2025 ha presentato Panta Rei Live, performance ispirata al suo nuovo album, uscito a maggio su 3024. Un progetto multidisciplinare che unisce voce dal vivo, improvvisazione, danza ed elementi metateatrali, accompagnata dal compositore e polistrumentista Ruben Sonnoli.

Il live è diventato così un’estensione dei temi dell’album, un’opera intima e stratificata, frutto di un anno e mezzo di lavoro, in cui l’artista integra percussioni, strumenti acustici e analogici in un continuum sonoro che attraversa le molteplici sfumature della bass music. 

Con lei abbiamo parlato di ascolto, trasformazione e appartenenza, temi che attraversano tanto la sua musica quanto la sua visione artistica.

Ciao Ehua, benvenuta su Parkett Channel, è un piacere averti con noi oggi. Vivi a Londra da molti anni e hai portato la tua musica in contesti molto diversi, dai club ai festival internazionali. Nextones si svolge in un contesto davvero unico, dove il paesaggio diventa parte dell’esperienza sonora. Quando ti trovi in un luogo come questo, immerso nella natura, cosa cambia nel tuo approccio? Pensi che l’ambiente possa influenzare non solo il tuo set, ma anche il modo in cui vieni ascoltata?

Ciao! Essere immersi nella natura porta sicuramente un’energia completamente nuova a una performance. In generale, il pubblico è profondamente influenzato dall’ambiente in cui vive la musica. Nextones è l’esempio perfetto: c’è un’energia magica, una sorta di concentrazione quasi religiosa, un’apertura e una comprensione nel modo in cui le persone assistono alle esibizioni.

Il pubblico (e le montagne) sembrano sussurrare: “Sono qui, dimmi cosa vuoi raccontarmi” — ed è stato proprio questo il mio pensiero durante la preparazione della performance. Ho pensato tante volte: le persone ascolteranno finalmente ciò che ho da dire, e anche le montagne lo faranno! Canterò alle montagne!

Alcune tue produzioni mostrano un legame con gli elementi naturali. Penso all’EP “Aquamarine”, ispirato al colore e al movimento dell’acqua, e a “Clouds”, influenzato dalla natura mutevole delle nuvole. Ti capita mai che quei legami con gli elementi naturali riaffiorino quando immagini e prepari un set in un paesaggio come questo?

Il mio approccio è sempre stato caratterizzato dall’osservazione e dalla ricerca di connessioni e significati nelle idee, nei fenomeni naturali e sociali – umani – o semplicemente in ciò che mi accade intorno. Questi riferimenti e queste metafore, dagli strumenti che scelgo di suonare alla ricerca e alla concettualizzazione, mi vengono in modo estremamente naturale.

Quindi sì, decisamente: ho vissuto questa performance dal vivo come un modo per connettermi sia con l’ambiente che con il pubblico, e ho percepito entrambi presenti e coinvolti allo stesso modo. La parete della montagna ci abbracciava (me e Ruben Sonnoli), ci teneva tra le sue braccia e prendeva vita grazie al meraviglioso light design e al projection mapping; il pubblico muoveva il corpo con la musica, ci ascoltava, assorbiva e rispondeva fisicamente ai miei pensieri.

So che sei cresciuta in un piccolo paese della Toscana, un contesto molto diverso rispetto a quello di una grande metropoli come Londra, soprattutto per quanto riguarda la scena musicale. Ti va di raccontarci qual è stato il tuo primo incontro con la musica? Ad esempio, nella tua produzione ci sono chiari riferimenti alla cultura Black e una forte attenzione al ritmo, spesso legata alle percussioni. Ti capita mai di riflettere su come questi elementi si intrecciano nel tuo modo di fare musica?

Il mio primo incontro con la musica è avvenuto grazie a mio padre: suona il basso e la chitarra classica. La mia prima musicassetta è stata The Rhythm of the Night di Corona, che mi regalò insieme al mio nuovo mangiacassette – ero ossessionata da Corona, ed era il mio album preferito in quel periodo. Credo che quello fosse già un segnale chiaro che il mio futuro sarebbe stato nella musica club ed elettronica.

Ne parlo infatti anche nel booklet e nel cortometraggio che ho scritto come parte del progetto Panta Rei, dove esploro il tema dell’identità. La rappresentazione era molto importante per me mentre crescevo, quindi la musica e la cultura Black occidentale hanno influenzato profondamente la mia passione per la musica in generale – da Corona a Bobby McFerrin, Ella Fitzgerald, Stevie Wonder, Lauryn Hill (giusto per citarne alcuni). Ma anche la mia ricerca personale nel suono sperimentale e nella musica che osa superare i confini ha avuto un ruolo fondamentale. È questo che ha plasmato di più il mio suono e la mia identità. L’armonia mi viene naturale quanto il ritmo, e con questo nuovo disco ho voluto mettere in luce proprio questo aspetto del mio percorso artistico: il modo in cui amo intrecciare tutte le influenze della mia esperienza musicale e fondere il mio linguaggio percussivo con il canto e con esplorazioni più melodiche.

Sei cresciuta in Italia, ma a un certo punto Londra è diventata il luogo in cui hai iniziato a cercare, e ti sei ritrovata circondata da amici produttori e DJ (penso alla crew di Nervous Horizon, con TSVI e Wallwork) che ti hanno incoraggiata a sperimentare e a metterti in gioco come producer. Quanto è stato importante per te questo cambiamento di ambiente, sia a livello personale che creativo? E cosa ti ha dato la scena londinese che non riuscivi a trovare in Italia?

Prima di tutto, me stessa, e ovviamente gli amici che avevo in quel periodo, che ascoltavano i miei primi brani e vedevano del potenziale nei suoni che stavo creando. Avevo iniziato ad andare nei club molti anni prima di trasferirmi a Londra, quindi il mio amore per la club music è qualcosa che coltivavo già da tempo. Sono sempre stata attratta dalla musica: fin da bambina ho provato a suonare diversi strumenti, ma nulla sembrava davvero giusto finché un giorno non ho iniziato a smanettare su Logic Pro. È stato tutto molto naturale, è scattato qualcosa all’istante e ho capito che dovevo andare avanti e coltivare quel talento che per anni era rimasto in qualche modo latente.

Il cambiamento di ambiente è stato fondamentale, perché Londra mi ha permesso di essere chi volevo, senza giudizi o pregiudizi su cosa dovessi o non dovessi fare o essere, una pressione che invece sentivo costantemente quando vivevo in Italia, dove i ruoli di genere e le aspettative sociali sono, ancora oggi, molto arretrati. Inoltre, a Pisa non c’era, e in realtà non c’è nemmeno oggi, una vera scena club, quindi Londra è stato il luogo perfetto per iniziare (finalmente) a fare musica.

Il ritmo e le percussioni sono elementi chiave del tuo sound. Nei tuoi brani incorpori influenze che vanno dal gqom sudafricano alla bass music britannica, fino ai ritmi tribali, fondendo tra loro generi diversi. Spesso emergono strutture poliritmiche ipnotiche. Da dove nasce la tua passione per ritmiche così incisive e d’impatto? Quando componi, ti capita mai di partire da un pattern percussivo, oppure ci sono strumenti o software che sono diventati una tua firma riconoscibile?

Come dicevo prima, il ritmo per me è qualcosa di estremamente naturale. Non saprei dire esattamente da dove venga, ma è qualcosa che sento e a cui rispondo in modo quasi innato. Non ho mai studiato batteria, semplicemente creo in modo naturale pattern poliritmici molto spezzati che risuonano con me e che sento il bisogno di esplorare e ampliare.

Per quanto riguarda il mio processo produttivo, ogni traccia nasce in modo diverso: può partire da un pattern percussivo o da uno melodico, come un beat di percussioni o una melodia che ho scritto. Non parto mai con un’idea precisa del tipo di traccia che andrò a produrre quando entro in studio, magari inizio pensando di voler fare qualcosa di techno e poi mi ritrovo con una ballad melodica, o qualsiasi altra cosa mi suggerisca il flusso creativo.

Fare musica per me è come vagare in una terra di fantasia straniera ma sicura e familiare, dove scelgo di creare atmosfere in base allo stato mentale in cui mi trovo

Un altro aspetto affascinante è l’uso sperimentale che fai della voce. In “Aquamarine”, ad esempio, hai inserito una traccia vocale in italiano, ma al contrario. Sono curiosa di sapere cosa ti affascina nell’usare la voce come materia sonora grezza.

Sì, è esattamente quello che ho fatto in Panta Rei, dove il canto e la scrittura hanno lo stesso peso e la stessa presenza delle produzioni elettroniche sperimentali. La mia voce è il mio strumento, per trasmettere e modellare significato, ed è quindi parte integrante della mia musica, che creo per esprimermi, per connettere i puntini, per mettere in discussione le cose.

Il tuo nuovo LP “Panta Rei” è uscito a maggio, un titolo che evoca il concetto greco del cambiamento costante e del flusso eterno. Ti va di raccontarci com’è nato questo disco e cosa rappresenta per te oggi, anche in relazione al tuo percorso artistico e personale?

“Panta Rei” è nato dall’esigenza di elaborare e raccontare esperienze personali – ma anche universali – oltre che dal desiderio di esplorare le possibilità della mia voce. Per me rappresenta un punto di arrivo, ma anche un nuovo inizio, perché ho finalmente mostrato aspetti del mio percorso artistico che fino ad allora avevo tenuto nascosti. La risposta è stata incredibile, e so di dover continuare a spingermi in questa direzione, perché ha rappresentato davvero una tappa fondamentale per me, sia a livello artistico che personale.

La tua musica fa muovere le persone, ma porta con sé anche una forte carica emotiva. Hai detto che produrre, per te, è una forma di auto-espressione, quasi terapeutica. Come trovi l’equilibrio tra l’energia fisica del dancefloor e la dimensione più intima e riflessiva? Cosa speri che arrivi a chi ti ascolta, a livello emotivo o immaginativo?

Le due cose vanno insieme, per me sono la stessa cosa. Il dancefloor è uno spazio intimo e riflessivo. Purtroppo la mercificazione della club culture ha cambiato il modo in cui viene vissuta e percepita su larga scala. Tuttavia, credo ancora profondamente che il clubbing sia un’esperienza terapeutica, ha il potere di unire le persone in un modo che raramente accade in altri contesti. Voglio assolutamente che le persone si connettano alla mia musica con il corpo e con la mente, che si sentano, che si ascoltino, così come ascoltano me e la mia musica.

Oltre alla tua musica, hai portato avanti anche un importante lavoro culturale, come il tuo coinvolgimento con Griot Mag, che dà voce alla creatività afrodiscendente in Italia. Cosa significa per te muoverti anche in questo spazio? In che modo questi due mondi, quello culturale e quello musicale, si parlano e si influenzano a vicenda?

Sì, è stata un’esperienza meravigliosa che mi ha arricchita moltissimo, sia come persona che come artista. Purtroppo ora non scrivo più perché il mio calendario è troppo pieno, ma tengo molto al lavoro che ho fatto con Griot, perché mi ha permesso di incontrare persone con esperienze simili alle mie e di entrare in contatto con tanti artisti che rispetto, attraverso interviste e progetti artistici. È stato anche molto importante per me contribuire a mettere in discussione e cambiare la (mis)rappresentazione in Italia attraverso l’arte, la musica e la cultura, e spero di continuare a farlo proprio con la mia musica e il mio percorso artistico.

Ti chiedo un ultima cosa..cosa speri che il pubblico di Nextones provi o si porti con sé dopo averti ascoltata?

Spero che il pubblico abbia percepito la nostra sincerità e la nostra emozione mentre suonavamo questi brani, così come la profonda passione che abbiamo per la musica che amiamo. Ruben Sonnoli, che mi ha accompagnata nella performance, è un compositore e pianista jazz con cui sono amica da quasi 15 anni. Abbiamo un legame molto forte, quindi fare questa esperienza insieme è stato davvero il gesto più “Panta Rei” che potessimo compiere! Credo che le persone si siano riconosciute molto nelle cose che ho cantato e raccontato, e sono incredibilmente onorata e orgogliosa di aver presentato il mio lavoro accanto a un line-up di artisti straordinari e in un ambiente spettacolare e stimolante come il Tones Teatro Natura.

ENGLISH VERSION

You’ve been living in London for many years, and you’ve brought your music to very different settings, from clubs to international festivals. Nextones takes place in a truly unique context, where the landscape becomes part of the sonic experience. When you find yourself in a place like this, immersed in nature, what changes in your approach? Do you think the environment can shape not only your set, but also the way you are listened to? 


Being immersed in nature certainly brings a whole new vibe to a performance. In general, audiences are so deeply affected by the environment music is experienced in. Nextones is the perfect example of this: there’s a magical energy, it’s a sort of almost religious focus, opening and understanding in the way people watch the performances, the audience (and the mountains) seem to whisper: “I’m here, tell me what you wanna say” – and that was my thinking process in the preparation leading up to the performance. I thought so many times: people will finally listen to what I have to say, and so will the mountains! I’m gonna sing to the mountains!


Some of your productions show a connection with natural elements. I’m thinking of the EP “Aquamarine”, inspired by the colour and movement of water, and “Clouds”, influenced by the ever-changing nature of clouds. Do you ever find those connections with natural elements resurfacing when you imagine and prepare a set in a landscape like this? 



My approach has always been characterised by observing and searching for connections and meaning in ideas, natural and social – human – phenomena, or simply things that happen to and around me. These references and metaphors, from the instruments I choose to play to the research and conceptualisation, come extremely natural to me. So definitely yes, I approached this live performance as way to connect both with the environment and with the audience, and I felt both present and engaged in exactly the same way: the mountain wall hugging us (myself and Ruben Sonnoli), holding us in its arms and coming to life with the wonderful light design and projection mapping; the audience moving their bodies to the music, listening to us, absorbing and physically responding to my thoughts.

I know you grew up in a small town in Tuscany, a context very different from that of a large metropolis like London, especially in terms of the music scene. Would you like to tell us about your first encounter with music? For example, in your production there are clear references to Black culture, and a strong rhythmic focus often tied to percussion. Do you ever think about how these elements, from early influences to the identities that shape you, intertwine in the way you make music? 



My first encounter with music came through my dad, he plays the bass guitar and classical guitar. My first ever tape was Corona “The Rhythm of the Night” that he gave me as a present for my new cassette player – I was obsessed with Corona and that was my favourite album at the time. I believe that was a clear sign that my future was going to be in club and electronic music, I actually talk about that and explore the theme of identity in the booklet and short film that I wrote as part of the Panta Rei project.

Representation was very important for me growing up, so western black music and culture definitely influenced my passion for music as a whole – from Corona, to Bobby McFerrin, Ella Fitzgerald, Stevie Wonder, Lauryn Hill (just to name a few), but so did my own research into experimental sound and music that dared pushing boundaries. That’s what has shaped my sound and identity the most. Harmony comes natural to me as much as rhythm and with my new record I wanted to shed light on this aspect of my artistry, i.e. the way I love to intertwine all the influences of my musical experience and blend my percussive signature sound with singing and more melodic explorations. 


You grew up in Italy, but at a certain point London became the place where you started searching, and you found yourself surrounded by friends who were producers and DJs (I’m thinking of the Nervous Horizon crew, with TSVI and Wallwork) who encouraged you to experiment and put yourself out there as a producer. How important was this change of environment for you, both personally and creatively? What did the London scene give you that you couldn’t find in Italy? 

Myself, first and foremost, and of course my friends at the time who listened to my early tracks and saw potential in the sounds that I was crafting. I started going clubbing many years before I moved to London, so my love for club music is something that I had been cultivating for years. I had always gravitated towards music, I tried playing many instruments since childhood but nothing felt right until the day I started jamming on Logic Pro. It came so naturally for me, something clicked immediately and I knew I had to keep going and harness this talent that had been somewhat latent for so many years.

The change of environment was fundamental because London allowed me to be who I wanted to be without any judgment or prejudice on what I should or shouldn’t do and be, which is something that I felt was constantly placed upon me when I lived in Italy where gender roles and expectations are to this day so archaic. Also, there wasn’t and there isn’t really a club scene in Pisa, so London was the perfect place for me to explore (finally) making music.

Rhythm and percussion are key elements in your sound. In your tracks, you incorporate influences ranging from South African gqom to British bass music, all the way to tribal rhythms, blending different genres together. Hypnotic polyrhythmic structures often emerge. Where does your passion for such sharp and impactful rhythms come from? When you compose, do you ever start from a percussive pattern, or are there instruments or software that have become a recognisable signature of yours? 

As I mentioned before, rhythm comes extremely natural to me, I cannot pinpoint where it exactly comes from but it’s something that I feel and respond to in an almost innate way. I never studied the drums, I just naturally create very broken polyrhythmic patterns that resonate with me and I feel like exploring and expending.

As for my production process, every track is different and it can start from either a percussive pattern or a melodic one, like a percussion beat or a melody I wrote. I never have assumptions on the type of track that I’m gonna produce when I sit in my studio, I may begin a track thinking that I’m feeling techno and it might end up being a melodic ballad or whatever the flow takes me to. Making music for me is wondering in a foreign but safe and familiar fantasy land where I choose to create moods according to the state of mind that I’m in.

Another fascinating aspect is the experimental use you make of the voice. In “Aquamarine”, for example, you included a vocal track in Italian, but reversed. I’m curious to know what fascinates you about using the voice as raw sound material.


Yes, that was exactly what I did in “Panta Rei” where singing and song writing have as much weight and presence as experimental electronic productions. My voice is my instrument, to convey and shape meaning, and so it is part of my music, which I create to express myself, to connect the dots, to question things. 



Your new LP “Panta Rei” was released in May, a title that evokes the Greek concept of constant change and eternal flow. Would you like to tell us how this record came to life and what it represents for you today, also in relation to your artistic and personal journey? 


Panta Rei was born from the need to process and talk about personal – but also universal – experiences, as well as from the need to explore my voices possibilities. I feel it is a point of arrival for me, but also a new beginning because I finally showcased aspects of my artistry that I had not shown before. The response was absolutely mind blowing so I know I need to keep pushing in this direction because it definitely represented a huge milestone for me, both artistically and personally.



Your music makes people move, but it also carries a strong emotional charge. You’ve said that producing is a form of self-expression for you, almost therapeutic. How do you find the balance between the physical energy of the dancefloor and the more intimate, reflective dimension? What do you hope reaches those who listen to you emotionally or imaginatively?

The two go together, they’re the same thing for me. The dance floor is an intimate, reflective space. Unfortunately the commodification of club culture has changed how it is experienced and perceived on a mass scale. However, I still strongly believe clubbing is a therapeutic experience, it has the power of bringing people together in ways that doesn’t happen in many other contexts. I definitely want people to connect with my music with their bodies and minds, I want them to feel themselves, listen to themselves as well as to me and to my music.

Alongside your music, you’ve also carried out important cultural work, such as your involvement with Griot Mag, which gives voice to Afro-descendant creativity in Italy. What does it mean for you to move within this space as well? In what ways do these two worlds, the cultural and the musical, speak to each other and influence one another? 

Yes, that was an amazing experience that enriched me a lot as a person and as an artist. Unfortunately I’m no longer writing because my schedule is too busy, but I do cherish the work I’ve done with Griot as it allowed me to meet people with similar experiences to mine and to connect to many artists I respect through doing interviews and working on artistic projects. It was also very important for me to contribute to challenging and changing (mis)representation in Italy through arts, music and culture and I hope to keep doing that through my music and artistry.


What do you hope the audience at Nextones feels or takes with them after listening to you?

I hope the audience felt our honesty and emotion when we were performing these tracks, as well as our deep passion for playing music we love. Ruben Sonnoli who accompanied me in the performance is a composer and jazz pianist whom I have been friends with for almost 15 years. We have a very strong connection, so doing this together is the most full circle Panta Rei thing ever! I believe people resonated a lot with the things I sang and talked about and I’m incredibly honoured and proud to have presented my work alongside such an incredible line-up of artists and in the most spectacular, inspiring environment like Tones teatro Natura.