I Kollage Kollectiv trasformano materiali di scarto in arte, scenografie e suoni elettronici. Un collettivo DIY che unisce musica, anticapitalismo e immaginario sci-fi per costruire un’utopia sostenibile e condivisa.
Camminare per le strade di Berlino significa esporsi a un costante bombardamento di stimoli visivi e sonori. Il moderno flâneur si muove tra muri coperti di graffiti e tag, adesivi che si sovrappongono ad altri adesivi, e il rumore metallico delle S-Bahn che si intreccia con la musica degli artisti di strada e il brusio urbano. Un leitmotiv identitario, che da decenni alimenta il mito della capitale tedesca della cultura underground.
In questo caos creativo esiste un collettivo capace di assorbirne l’energia e trasformarla in arte e musica. Upcycling e DIY come parole d’ordine, anticapitalismo come visione, autogestione come pratica quotidiana: stiamo parlando dei Kollage Kollectiv.
Come suggerisce il nome, il collettivo mira a costruire un grande collage vivente, mescolando musica elettronica, arte performativa e scenografie realizzate interamente con materiali riciclati.
Entrare nel loro spazio all’interno di Disko Babel, realtà artistica indipendente nel quartiere di Prenzlauer Berg, significa lasciarsi alle spalle il mondo del consumo per abbracciare una piccola utopia. Container impilati, cartelli stradali, semafori in disuso e mille altri oggetti trovano qui una nuova vita artistica.
Al centro di tutto, un vecchio container trasformato in un’astronave futuristica: le sue pareti si aprono come ali, rivelando un dancefloor dove si svolgono party in pieno stile sci-fi.
Abbiamo incontrato alcuni fondatori e membri dei Kollage Kollectiv per esplorare la loro visione alternativa del mondo elettronico e artistico.
Kollage Kollectiv ruota attorno ai concetti di upcycling, musica elettronica, performance e creative coding. Potete raccontarci la storia dietro questo progetto? Come è nata l’idea e qual era la vostra visione iniziale?
Max:
L’idea di creare Kollage Kollectiv è nata quando ci siamo trasferiti a Berlino. Vedere tutte queste forme d’arte per le strade, adesivi ovunque, mi faceva pensare a un collage. Con tutte queste realtà creative, ho sentito che avevamo il potere di cambiare la società e trasformare le strade rendendole più vivaci e funky. Il collettivo è nato proprio dal desiderio di unire tutte queste energie diverse e amplificarle.
Pauline:
La nostra visione iniziale è nata dall’arrivo in questa nuova città. A Berlino ci siamo trovati improvvisamente circondati da un’enorme quantità di oggetti. Questa abbondanza ci ha spinti a volerli combinare e esplorare in modo creativo.
La nostra iniziativa è anche una presa di posizione contro i valori capitalistici e consumistici che spingono le persone a comprare continuamente cose nuove. Abbiamo scoperto una città piena di rifiuti e li abbiamo trasformati in creazioni artistiche. Il nostro messaggio era chiaro: non serve consumare per fare arte. Questa democratizzazione dell’uso si è tradotta anche in una democratizzazione dei mezzi: nessuno di noi aveva studiato collage o elettronica, ci siamo solo lasciati guidare dal nostro istinto artistico e dall’idea di creare insieme.
Fate parte dello spazio culturale “Diskobabel”, nel cuore di Berlino. In che modo questa collaborazione influenza la vostra identità come collettivo? E quale impatto sperate di avere sull’ecosistema creativo berlinese?
Max:
Kollage Kollectiv era già presente nello spazio prima che si chiamasse Diskobabel. L’associazione ha fatto un lavoro enorme per permetterci di restare qui, e ne sono molto grato.
Vorrei che questo luogo fosse diverso dagli altri club di Berlino, che non seguisse le mode. Il nostro obiettivo è dare voce agli artisti, indipendentemente dal loro status o dalle risorse economiche.
Pauline:
Facciamo parte di Diskobabel, un’associazione formata da diversi collettivi. Condividiamo esperienze, anche se non necessariamente gli stessi obiettivi. Con Kollage Kollectiv abbiamo una nostra missione, un nostro ethos, e abbiamo sempre voluto rimanere indipendenti.
Siamo fortunati a trovarci nel centro di Berlino: questa posizione ci permette di organizzare eventi di ogni tipo, creando una piattaforma dove gli artisti possono incontrarsi e dar vita a nuove collaborazioni.
Poiché le grandi città diventano sempre più gentrificate, è sempre più difficile trovare spazi accessibili per gli artisti. Per questo desideriamo che il nostro rimanga un luogo aperto, dove gli artisti possano incontrarsi liberamente, senza cadere nella trappola di diventare un’istituzione che promuove solo forme d’arte mainstream. Vogliamo dimostrare che esistono ancora luoghi autentici, non gestiti “dall’alto”.
Cosa vi ha ispirato a scegliere dei container come venue? Come adattate un simile spazio ad eventi diversi e in che modo questo design influenza l’esperienza del pubblico o la direzione artistica?
Max:
I container erano semplicemente la soluzione più economica per avere un rifugio dove custodire il nostro materiale riciclato. Ma col tempo si sono trasformati in qualcosa di molto più interessante: un luogo in continua mutazione.
Pauline:
I container sono come dei Lego a misura d’uomo: si possono impilare, spostare, riorganizzare per creare, ad esempio, uno spazio circolare. A seconda dell’evento, decidiamo quale container aprire. Alcuni li abbiamo trasformati in laboratori, uffici o backstage, ma la trasformazione più interessante è stata quella in galleria, con grandi finestre per permettere al pubblico di vedere dall’esterno le nostre installazioni elettroniche e opere visive.
La nostra ultima creazione è una spaceship con ali motorizzate. Il design è pensato per un pubblico a 360 gradi: tagliando i lati del container e integrando i motori, si apre completamente, permettendo al pubblico di disporsi tutt’intorno durante gli spettacoli. Dopo le performance, lo spazio si trasforma in una dancefloor circolare, favorendo la connessione tra le persone – al contrario dei club tradizionali, dove le persone guardano semplicemente verso il DJ.
Come descrivereste l’identità musicale di Kollage Kollectiv? Vi concentrate su determinati sottogeneri dell’elettronica o avete un approccio più eclettico?
Max:
La nostra musica trae ispirazione dalla scena acid rave. La vedo come un’evoluzione di quel movimento, poiché sperimentiamo costantemente nuove tecniche. Giochiamo con ritmi sincopati e li applichiamo a sonorità electro e breakbeat, superando i confini e rompendo le convenzioni.
Pauline:
Dal punto di vista di una danzatrice, direi che la nostra musica è ritmica, dinamica, vibrante e ricca di bassi.
Seb:
La musica di Kollage Kollectiv è letteralmente un collage di generi diversi, plasmato dalle esperienze e dai gusti personali di ciascuno di noi. Il nostro terreno comune si trova tra electro, breakbeat e acid, ma ciò che definisce la nostra identità è l’approccio creativo durante la produzione, l’attenzione all’aspetto teatrale, la sperimentazione e il distacco dalle aspettative. Suoniamo per divertimento, dentro una visione post-punk, sci-fi e DIY.
I vostri eventi non si concentrano solo sulla musica elettronica, ma anche performance, visual e installazioni hanno un ruolo importante. Come interagiscono tra loro questi elementi?
Max:
Fin dal primo giorno, per noi è stato fondamentale mantenere una buona sinenergia di gruppo. E per questo motivo cerchiamo di includere, nei nostri eventi, tutti i tipi di pubblico. Le installazioni interattive e le performance creano un’atmosfera giocosa che favorisce la connessione tra le persone.
Pauline:
I visual alimentano la musica, che alimenta il movimento, che a sua volta alimenta le installazioni. Tutti i nostri linguaggi si influenzano reciprocamente. Sperimentiamo costantemente nuove connessioni tra suono e immagine, tra codice e movimento, usando sensori e strumenti di ogni tipo per vedere come un medium può modificare l’altro.
Seb:
Sono tutti completamente interconnessi. Le storie, le performance, le installazioni o i costumi influenzano il processo creativo della musica e dei visual, e viceversa. Le idee degli altri aprono porte per sviluppare nuovi pezzi, liberi da generi o tendenze. Ci piace creare semplicemente per il gusto di farlo, divertendoci lungo il processo.
La vostra estetica richiama la fantascienza, il futurismo e i viaggi spaziali. Come traducete tutto questo in suono e performance per accompagnare il pubblico nel vostro “viaggio sull’astronave”?
Max:
Siamo costantemente alla ricerca di idee e missioni mai realizzate prima. Traduciamo idee folli in realtà.
Il nostro modo di fare, le “missioni” che portiamo avanti, si riflettono direttamente nella nostra creatività e nei nostri linguaggi artistici.
Pauline:
Riutilizzando materiali scartati evochiamo un’estetica post-apocalittica. Dare una seconda vita agli oggetti, hackerare materiali e costruire macchine con le nostre mani fa parte della nostra quotidianità, e si riflette nei nostri spettacoli spaziali. Le nostre avventure raccontano un futuro in cui abbiamo costruito il nostro stesso veicolo per viaggiare nello spazio, narrandole con musica, effetti sonori, luci, visual e recitazione.
Seb:
Dal punto di vista sonoro, questo contesto ci spinge a superare i nostri limiti e a chiederci come potrebbe suonare qualcosa di “spaziale”. La nostra passione per la fantascienza gioca un ruolo importante: ci ispiriamo a idee psicoacustiche legate a ciò che può sembrare futuristico o “spaziale”. Questo ci aiuta a costruire un punto di partenza per rendere le performance più comprensibili e coinvolgere il pubblico. Spesso, le idee più semplici sono quelle che funzionano meglio.
Considerando la vostra etica artistica basata su riciclo ed interattività, avete mai integrato strumenti non convenzionali o elettronica DIY nella vostra musica, come sculture sonore o sistemi modulari?
Max:
Sì, personalmente campiono moltissimi suoni strani e li riorganizzo per creare nuove texture sonore.
Pauline:
Abbiamo costruito diverse installazioni interattive con visual audio-reattivi. Il pubblico può giocare con la nostra Arkade, realizzata con fader di vecchi organi, o con il Caktus, fatto di buzzer riciclati. In questo modo le persone diventano co-creatrici di suono e immagine, esplorando un ambiente digitale pieno di possibilità.
Seb:
Niente di particolarmente soffisticato. Io, Max e Cippo facciamo musica riutilizzando e modificando materiali già creati, trasformandoli per adattarli a nuovi progetti. Ci interessa sperimentare con generazione, sequenziamento, casualità e manipolazione di sample. Usiamo ciò che abbiamo e vediamo fin dove possiamo spingerci.
Ad esempio, Max ha costruito un sintetizzatore drone DIY che suona in modo incredibile – non sappiamo neanche bene come funzioni, ma è divertente da usare! E Cippo, con la sua grande esperienza di programmazione, trova sempre soluzioni uniche e non convenzionali per le nostre esigenze.
Avete collaborato con altri collettivi o festival, a Berlino o all’estero?
Max:
Sì. Abbiamo portato i nostri spettacoli al Sisyphos, Fusion, At-tension, Bucht der Träumer, Mit Dir Festival, Licht Kunst Festival, Selbst Gebaute Music Festival, Wilde Renate Club e B-Seite Festival.
Pauline:
Sì, abbiamo portato la nostra spaceship in diversi festival come Fusion e At-tension.
Abbiamo collaborato con numerosi artisti: visual artists, danzatori, coder, musicisti e collettivi che abbiamo invitato ai nostri eventi. La nostra spaceship ha aperto le sue ali a decine di crew tra cui Audiotrix Record, AusländerBehörde, Berlin Invasion, Bitnet01, Diskobabel e.V., Multicore, SP23, Zirkus Mond e molti altri.
Seb:
Abbiamo anche collaborato con Robocross e con artisti che hanno viaggiato con noi. Vale la pena menzionare anche i festival e collettivi con cui Pauline e Max hanno lavorato in Portogallo, Francia, India e Münster.
Avete mai organizzato workshop o opportunità simili per condividere le vostre competenze artistiche e musicali?
Max:
Sì, più volte, nei nostri spazi creativi di Kollage Kollectiv.
Pauline:
Abbiamo proposto workshop di video mapping, software per luci, 3D, djing, cucito e naturalmente collage!
Guardando al futuro, ci sono nuovi concetti audio-visivi o formati sonori sperimentali — come installazioni sonore interattive o set narrativi — che vorreste esplorare?
Max:
Sì, adoriamo esplorare nuove tecnologie. Abbiamo molte idee interessanti in cantiere.
Pauline:
Decisamente! Abbiamo costruito un sistema quadrifonico per la nostra navicella, che sta evolvendo in un’installazione interattiva a sé stante. Siamo ancora in fase di sperimentazione e continueremo sempre su questa strada.
Seb:
Assolutamente sì! Ogni nuova sfida ci porta conoscenza e creatività. Mi piace pensare che siamo solo all’inizio della creazione di qualcosa di completamente diverso, di cui nemmeno noi conosciamo i limiti.
Il sistema sonoro a 360° ci permette di esplorare nuove possibilità narrative, compositive e tecnologiche, integrando installazioni interattive e rave teatrali futuristici.
ENGLISH VERSION
Kollage Kollectiv: the sound of future is DIY
Kollage Kollectiv turn discarded materials into art, stage designs, and electronic sounds. A DIY collective that blends music, anti-capitalism, and sci-fi imagery to build a sustainable, shared utopia.
Walking through Berlin is like stepping into a constant stream of visual and sonic overload. The modern flâneur drifts through walls drenched in graffiti and tags, stickers layered endlessly over one another, the metallic hum of the S-Bahn blending with street musicians and the restless buzz of the city. It’s a sensory collage that has long defined the myth of Germany’s capital as a playground for underground culture.
Within this creative chaos exists a collective that has managed to absorb this energy and transform it into art and music. Upcycling and DIY are their mantras; anti-capitalism their vision; self-management their daily practice. We’re talking about the Kollage Kollectiv.
As their name suggests, the collective’s goal is to build a living collage — merging electronic music, performance art, and stage design crafted entirely from recycled materials.
Stepping into their space inside Disko Babel, an independent art hub in the Prenzlauer Berg district, means leaving behind the world of consumerism to embrace a small utopia. Stacked containers, road signs, disused traffic lights, and countless other objects are given new artistic life here.
At the center of it all stands an old container transformed into a futuristic spaceship: its walls unfold like wings, revealing a dancefloor that hosts full-blown sci-fi parties.
We met with some of the fouders and members of Kollage Kollectiv to explore their alternative vision of the electronic and artistic world.
Kollage Kollectiv revolves around the concepts of upcycling, electronic music, performance, and creative coding. Could you share the story behind this project—how did the idea emerge, and what was your founding vision?
Max:
The motivation which emerged behind the creation of Kollage Kollectiv was when we moved to Berlin. Seeing all these different artforms in the streets, stickers everywhere remind me of a collage. With all these creative entities, I felt we had the power to change society and shape the streets making it look more vibrant and funky. The collective emerged to try and combine all these different entities and make it even bigger.
Pauline:
The founding vision was inspired by arriving in this new city. In Berlin, we suddenly got surrounded by lots of objects. This abundance of elements made us want to combine them and explore them creatively. Our initiative also came as a strong statement against capitalist and consumerist values in which people constantly need to buy new things. We discovered a city filled with waste and turned them into artistic creations. Our message was clear: we don’t need to consume to make art. This democratisation of use also translated into democratisation of means, none of us studied collage making or electronics. We were simply attracted by listening to our artistic instinct and doing this all together.
You are an active part of the cultural space “Diskobabel”, in the heart of Berlin. How does this affiliation shape your identity as a collective? And what kind of impact do you hope to have on Berlin’s creative ecosystem?
Max:
Kollage Kollectiv was on the space before it was called Disko Babel, the association has done lots of great work to help us all stay in this space and I am grateful for this.
I want to have a real impact in which this place is different from the other Berlin venues. I don’t want the place to follow trends. We want to be here to give a voice to the artists regarding their status or wealth.
Pauline:
We are part of Diskobabel which is an association formed of different collectives. We share experiences however we do not all share the same goals. With Kollage Kollectiv we have our mission, our ethos and we have always wanted to remain independent.
We are very lucky to be located at the centre of Berlin: our position allows us to create all kinds of events. This in turn allows us to provide a platform for artists to connect and create new things.
As all big cities become more gentrified it is more difficult to find accessible spaces for artists. Therefore I wish that our place remains an open platform where artists can meet without falling into the trap of becoming another institutionalised venue aiming at showcasing mainstream forms of art. We want to show that authentic places remain; not ruled from above.
What inspired the choice of shipping containers for your venue? How do you adapt the space for different events, and does the design influence audience experience or artistic direction?
Max:
Shipping containers were the cheapest way to have a shelter for our recycled hardware. Depending on the events we will have different installations on and different visuals. The mood created will be different.
Pauline:
Shipping containers are like human sized Lego. We can pile them up, change their position and move them to create a circular space for example. Depending on the event we can decide to open one container or the other. We have transformed containers into workshops, desk space or backstage but the most interesting changes that we have made to containers are when we have transformed one into a gallery which includes lots of windows so that people can see all our electronic installations and visual artwork from the outside.
Also our latest invention, our spaceship with motorised wings. The design of the spaceship was conceived for a 360° audience: by cutting the sides of the container and integrating motors, it can completely open up, allowing the public to sit all round it during the shows. It transforms into a circular dancefloor after the shows, meaning people can connect – as opposed to the usual linear format in which dancers are facing the djs like in most clubs.
How would you describe the musical identity of Kollage Kollectiv? Do you focus on specific subgenres of electronic music, or is it more eclectic?
Max:
Our music is inspired from the acid rave scene. I define it as an evolution of this movement as we are always experimenting with new techniques. We experiment with new syncopated rhythms and apply these to electro breakbeat. Our music breaks boundaries and breaks away from conventions. It’s exploring new territories in the realm of syncopated rhythm and break beat.
Pauline:
From the point of view of a dancer, I would say our musical identity is rhythmic, dynamic, vibrant and bassy.
Seb:
I can easily say that Kollage Kollectiv’s music is literally a collage of different music styles shaped by the personal experiences and taste from each of us. We have found a common ground based around electro, breakbeat and acid, but what shapes our identity is the creative approach during the production sessions, the focus on the theatrical side of the collective, the experimental exploration and detachment from expectations, playing for the fun under this post-punk sci-fi DIY vision.
Your events not only focus on live electronic music — performers, visuals, and installations also play a major role, as in your recent performance at Fusion Festival. How do these elements interact with each other?
Max:
Since day 1, one of the most important element is to make sure the vibe of the team is on point. Therefore in our event it’s very important to cater for all kinds of people. To bring interactive installations and some playful elements in a dancefloor creates a playful atmosphere which transcends through people’s connection with each others. When people come to our parties they feel the extra.
Pauline:
Visuals fuel the music which fuels the movements which fuel the installations. All our mediums influence each other. We are always looking at creating new connections between visual and sound, coding and movement. We experiment using sensors and all kinds of tools to see how one medium can alter the other. We don’t have a specific way to do it, we always try new things.
Seb:
I think those are completely correlated. The story, performances, installations or costumes shape the creative process of producing music and visuals, and in other cases music or visuals can foster more ideas for the performances and the role of the installations within the story. The ideas from others open the gate to develop pieces (be it music, visuals or installations) out of any constricted genre or current, with the freedom of just doing it and having fun within the process.
Your aesthetic evokes sci-fi, futurism, and space travel. How do you translate that into sound and performances to guide the audience on your “spaceship” journey?
Max:
We are constantly coming up with ideas and missions that haven’t been done like this before. We translate crazy ideas into reality.
Our way of doing, the missions we channel translate into our creativity and mediums.
Pauline:
By reusing discarded material we evoke post-apocalyptic methods. Creating a second life for objects, hacking material, building machines ourselves are part of our day to day life and are also represented in our space shows. Our adventures illustrate a future in which we have built our own vessel to go through space. We narrate them by combining music, spacey sound effects, visuals, lighting and acting all together.
Seb:
In terms of the sound range, this setting allows us to break our own boundaries, making us question how it could sound or if it works in this, that or another way. What also plays a big role is our taste for sci-fi, where there are general psychoacoustic ideas connected with what may sound futuristic or “spacey”. This helped us to set a starting point to make the situations in the performances more understandable and connect with the audience, most of the time simple ideas work best.
Given your ethos of recycled and interactive art, have you ever incorporated unconventional instruments or DIY electronics into your music programming—such as custom-built sound sculptures or modular gear?
Max:
I sample lots of strange things and rearrange the audio to create new sounds.
Pauline:
We have built several interactive installations which incorporate audio reactive visuals. People can play with our Arkade built from old organ faders; as well as our Caktus which used repurposed buzzers. In this sense, people are the creators of visuals and sound. We create a digital environment with all kinds of possibilities for them to experiment.
Seb:
Nothing fancy really. Max, Cippo and I do music and recordings, most of the time by reusing and modifying what we have already made and transforming it into something else that adjusts to new projects. We are attracted to new ways of making music, gear or concepts of generative, sequencing, randomness, sampling and resampling manipulation, we use what we have and see how far we could go. For example Max has this DIY drone synth which sounds amazing! We are not completely sure how it works but it is fun to use, and a lot of material came from just playing around. Additionally, Cippo has this incredible knowledge of programming, and for our needs he comes up with solutions that are quite particular, you can even say unconventional.
Have you ever partnered with other collectives or festivals — either in Berlin or internationally — to showcase your work?
Max:
Yes we have. We made shows at Sisyphos, Fusion, At-tension, Bucht der Traumer, Mit Dir Festival, Licht Kunst Festival, Selbst Gebaute Music Festival, Wilde Renate Club, B-Seite Festival.
Pauline:
Yes, we have taken our spaceship to different festivals such as Fusion and At-tension.
Also, we have collaborated with many different artists: visual artists, dancers, coders, musicians and collectives have been invited to our events in our container space. Our spaceship has opened its wings to dozens of crews including: Audiotrix Record, AusländerBehörde, Berlin Invasion, Berlin Vista Social Club, Bitnet 01, Crop Circle, Diskobabel e.V., HnG Picnics, Mucha, Multicore, Parayok, PariDesCollective, SP23, Symbiotism and Zirkus Mond.
Seb:
We also collaborated with Robocross and the artists that have travelled with us. I think it’s also important to mention the collectives and festivals Pauline and Max attended in Portugal, France, India, and Münster (Germany).
Have you ever offered workshops or similar opportunities to share your artistic and musical knowledge?
Max:
Yes multiple times at Kollage Kollectiv creative spaces.
Pauline:
Yes we have done video mapping, light software, 3D software, djing, sewing and of course many collage workshops!
Looking ahead, are there audio-visual concepts or experimental sound formats—such as multi-speaker spatial setups, interactive sound installations, or narrative-driven sets—you’d like to explore next?
Max:
Yes we love to explore new technologies out. We have lots of exciting possibilities in the pipeline.
Pauline:
We have built a quadraphonic system for our spaceship and it is currently evolving into an interactive installation in itself. We are still in the process of experimenting and will always continue like that.
Seb:
Yes definitely! Every new challenge brings us more knowledge and more creativity. I like to think that we are just in the beginning of the creation of something completely different, of which even we are not sure where the limit is.
The 360° sound system allows us to experiment more and more other possibilities in narratives, music composition as well as formats, or even maybe technology. We can explore new frontiers integrating the interactive installations with futuristic theater rave.