Intervista con Andrea Cota, aka Mondocane sul nuovo EP “Semillas”, uscito il 30 gennaio sulla label Latinambient.

Ci sono suoni che restano fermi per anni, archiviati come appunti nelle “Note” del cellulare. Poi, a un certo punto, tornano a farsi sentire: le sonorità sono le stesse, ma cambia lo sguardo (o l’orecchio) di chi le riascolta. “Semillas“, il nuovo EP di Mondocane (Andrea Cota), uscito il 30 gennaio su Latinambient, label curata da Populous, prende forma partendo da alcuni field recordings raccolti durante un viaggio in Perù nel 2021 e rimasti “dormienti” per anni, finché non hanno trovato il contesto giusto per diventare musica.

“È un lavoro sulla memoria, non sulla documentazione. Un processo introspettivo e interculturale”, ci rivela il DJ e producer romano. Nascono così quattro tracce che si muovono tra trasformazione e ricordo, costruite su soundscape downtempo, groove potenti e micro-variazioni ritmiche che, a bassi BPM, tengono insieme energia, profondità e spazio. Ne abbiamo parlato con Mondocane, facendoci guidare dentro l’universo di Semillas.

Ciao Andrea, benvenuto su Parkett. “Semillas”: perché la scelta di questo nome e qual è stato il “seme” preciso da cui è nato l’EP (un suono, un ricordo, un’emozione)?

Il titolo nasce mentre stavo leggendo ‘The Creative Act’ di Rick Rubin, proprio nel momento in cui le tracce iniziavano a prendere forma. ‘Semillas’ è in spagnolo, la lingua del contesto in cui queste registrazioni sono nate, durante un viaggio in Perù. Per me indica l’idea che alcuni materiali creativi possano restare latenti a lungo, finché non trovano il contesto giusto per germogliare.

Il primo seme dell’EP è la registrazione di una cerimonia di ayahuasca in Amazzonia. Ho chiesto il permesso ai curanderos che guidavano il rito, madre e figlio, e già in quel momento sapevo che avrei voluto rielaborare quel materiale. Le altre registrazioni sono nate invece senza un obiettivo preciso: ascolto e archivio.

In press release affermi che il field recording di “Uros” è rimasto “dormiente” per quattro anni. Che cosa è cambiato in te in questo tempo, e cosa ti ha fatto riaprire quel file? La tua percezione di quel field recording è diversa oggi rispetto al 2021?

È cambiato soprattutto il mio rapporto con quel viaggio. All’inizio quelle registrazioni erano appunti estemporanei; col tempo hanno assunto un peso più personale. Sono stato in Perù in due momenti diversi della mia vita, a distanza di quasi vent’anni, ed entrambe le volte hanno segnato un momento di riorientamento. Riascoltare quei suoni anni dopo li ha caricati di significati nuovi. La riapertura di quei file è coincisa anche con l’incontro con Fake Mantra: stavo cercando di capire cosa potesse diventare quel materiale, non solo cosa rappresentasse nel momento in cui era stato registrato.

Quando si lavora con suoni registrati in un luogo reale entra inevitabilmente in gioco una questione di responsabilità e rispetto. Come ti muovi sul confine tra omaggio e appropriazione?

La mia intenzione non è di raccontare o spiegare culture che non mi appartengono. Quei suoni non funzionano come rappresentazione di un luogo, ma come tasselli del mosaico della mia esperienza personale.

È un lavoro sulla memoria, non sulla documentazione: come quando una foto o un odore ti riportano immediatamente a una sensazione. Più che un gesto didascalico, è un processo introspettivo e interculturale. Se c’è un omaggio, sta nel vissuto, nello scambio e nella ricchezza che nasce dall’incontro tra culture diverse, sempre a partire dal rispetto dell’ascolto.

Dici che i quattro brani sono “un viaggio geografico e interiore”. Se fossero quattro capitoli, che ruolo ha ciascuno, dove li collochi esattamente geograficamente e interiormente?

• “Ayawaska” nasce in Amazzonia, nella riserva di Pacaya Samiria. Interiormente è l’attesa: una tensione lenta e ipnotica che si apre, esplode e infine si distende.
• “Uros”‘ è legata al Lago Titicaca e alle isole galleggianti. Qui il tema è il ritorno: ero già stato in quei luoghi quasi vent’anni prima. È il brano più chiaramente mnemonico, legato alla prospettiva che il viaggio e l’incontro restituisce sulla propria vita.
• “Nawi Kuna” parte da un oggetto riportato a casa: un tessuto andino con divinità dagli occhi enormi. Il titolo significa “occhi”. È il capitolo della percezione: vedere meno, ma sentire di più.
• “Wayna Kuna”, registrato ad Aguas Calientes, ai piedi di Machu Picchu, nasce dalla registrazione di una prova di cerimonia pubblica, una sorta di ricostruzione rituale. Qui entra il tema dei vuoti storici delle culture precolombiane: vuoti che spesso vengono colmati con immaginazione, fantasia e, a volte, racconti extraterrestri.

Ayawaska mi ha colpita particolarmente: è un brano molto immersivo e, ascoltandolo, mi sono sentita quasi dentro un rito. Era questo l’intento?

Sono molto contento che Ayawaska abbia colpito nel segno. È una traccia che parte da un rito reale, quindi quell’atmosfera è strutturale. Abbiamo lavorato su una lunga fase di attesa ipnotica, poi su un’espansione psichedelica e armonica, fino a una risoluzione luminosa. Non è una trasposizione fedele dell’esperienza, ma una sua astrazione emotiva.

Al momento sto guardando Twin Peaks e pensando ai tuoi soundscape “onirici”, mi è venuta in mente la potenza dei sogni: ti è mai capitato di sognare qualcosa che abbia ispirato direttamente la tua musica? E come bilanci l’attaccamento alla realtà dei field recordings con un linguaggio più onirico, talvolta presente nelle tue produzioni?

Ricordo poco i sogni, ma sfrutto spesso e volentieri quello stato di confine tra sonno e veglia: è lì che sono più creativo. Al risveglio, se riesco a fissare subito un’idea, nasce spesso qualcosa di interessante. Detto questo, ‘Semillas’ non è un lavoro onirico ma mnemonico. I field recording tengono i piedi per terra, il linguaggio musicale serve a plasmare il ricordo, ad approfondirlo.

È anche per questo che ho sentito il bisogno di affiancare all’EP un mini-documentario: per mostrare il contesto reale del viaggio e del processo, lasciando emergere anche le immagini e i luoghi da cui nasce.

Com’è nata la collaborazione con Fake Mantra in questo progetto? Che cosa ha portato alla tua musica? 

Fake Mantra è il nuovo progetto di Matteo Costanzo, con il quale per diverso tempo ci dicevamo di collaborare.
Lui ha un senso melodico e armonico molto forte. Su Ayawaska e Uros il suo contributo è stato decisivo: ha dato alle tracce una dimensione emotiva e immaginifica molto marcata.

Come porterai “Semillas” dal vivo o in DJ set: sarà più ascolto, più club, o un ibrido?

Per ora soprattutto in djset. Come Mondocane lavoro molto sul clubbing non convenzionale: seguendo traiettorie sonore psichedeliche e percussive che prescindono dai bpm, a volte lavorando sull’ipnosi, a volte sulle sveglie! Non escludo una forma live in futuro. Al momento sono al lavoro su nuove tracce, spero un giorno di innestare ‘Semillas’ in un flusso più ampio.

ENGLISH VERSION

“A Geographical and Inner Journey”: Mondocane on his new EP “Semillas“

From recordings captured between Lake Titicaca and the Amazon to studio composition: Mondocane explains how Semillas turns sound into memory (out January 30 on Latinambient, a label curated by Populous).

There are sounds that sit still for years, saved away like notes in your phone’s Notes app. Then, at some point, they come knocking again: the recordings haven’t changed, but the way you hear them has. Semillas, the new EP by Mondocane (Andrea Cota), released on January 30 via Latinambient — a label curated by Populous — takes shape from field recordings captured during a trip to Peru in 2021 and left “dormant” for years, until they finally found the right context to become music.

“It’s a work about memory, not documentation — an introspective, intercultural process,” the Rome-based DJ and producer tells us. From that approach come four tracks that move between transformation and recollection, built on downtempo soundscapes, weighty grooves, and rhythmic micro-variations that, at lower BPMs, hold energy, depth, and space together. We spoke with Mondocane and let him guide us through the world of Semillas.

Hi Andrea, welcome to Parkett. Semillas: why this title, and what was the specific “seed” the EP grew from — a sound, a memory, an emotion?

The title came to me while I was reading Rick Rubin’s The Creative Act, right as the tracks were starting to take shape. Semillas is Spanish — the language of the context these recordings were born in, during a trip to Peru. To me it suggests that some creative materials can stay latent for a long time, until they find the right context to sprout.

The first seed of the EP is a recording of an ayahuasca ceremony in the Amazon. I asked permission from the curanderos leading the ritual — a mother and her son — and even then I already knew I wanted to rework that material. The other recordings, instead, came about without a specific goal: I listen and I archive.

In the press release you say the field recording behind “Uros” stayed “dormant” for four years. What changed in you during that time, and what made you reopen that file? Does it feel different now than it did in 2021?

What changed most was my relationship with that trip. At first those recordings were just offhand notes; over time they took on a more personal weight. I’ve been to Peru at two different moments in my life, almost twenty years apart, and both trips marked a moment of reorientation. Listening back years later loaded those sounds with new meanings. Reopening those files also coincided with meeting Fake Mantra: I was trying to understand what that material could become, not only what it represented at the moment it was recorded.

When you work with sounds captured in a real place, there’s also a question of responsibility and respect. How do you navigate the line between homage and appropriation?

My intention isn’t to narrate or explain cultures that aren’t mine. Those sounds don’t function as representations of a place; they’re pieces in the mosaic of my personal experience.

It’s a work about memory, not documentation — like when a photo or a smell instantly takes you back to a sensation. More than a didactic gesture, it’s an introspective, intercultural process. And if there’s an homage, it lies in lived experience, in exchange, and in the richness that comes from encounters between different cultures — always grounded in a respectful practice of listening.

You’ve said the four tracks are “a geographical and inner journey.” If they were four chapters, what role does each one play — geographically and emotionally?

• “Ayawaska” was born in the Amazon, in the Pacaya Samiria reserve. Internally it’s about waiting: a slow, hypnotic tension that opens up, erupts, and finally relaxes.
• “Uros” is tied to Lake Titicaca and the floating islands. Here the theme is return: I had been to those places almost twenty years earlier. It’s the most overtly mnemonic track, shaped by the perspective that travel and encounters can give you on your own life.
• “Nawi Kuna” starts from an object I brought home: an Andean textile with deities drawn with enormous eyes. The title means “eyes.” It’s the chapter of perception: seeing less, but feeling more.
• “Wayna Kuna,” recorded in Aguas Calientes at the foot of Machu Picchu, comes from recording a rehearsal for a public ceremony — a kind of reconstructed ritual. This is where the theme of historical voids in pre-Columbian cultures comes in: gaps that are often filled with imagination, fantasy, and sometimes extraterrestrial narratives.

“Ayawaska” really struck me: it’s extremely immersive — listening to it, I felt almost inside a ritual. Was that the intention?

I’m really glad Ayawaska hit the mark. It’s a track that starts from a real ritual, so that atmosphere is structural. We worked on a long, hypnotic phase of anticipation, then on a psychedelic, harmonic expansion, and finally on a luminous resolution. It’s not a faithful translation of the experience, but an emotional abstraction of it.

I’m watching Twin Peaks right now, and thinking about your “dreamlike” soundscapes made me think about the power of dreams: have you ever dreamed something that directly inspired your music? And how do you balance the grounded reality of field recordings with a more oneiric language that sometimes appears in your productions?

I don’t remember dreams very well, but I often make use of that threshold state between sleep and waking — that’s where I’m most creative. When I wake up, if I manage to capture an idea immediately, something interesting often comes out of it. That said, Semillas isn’t a dreamlike work but a mnemonic one. The field recordings keep your feet on the ground; the musical language shapes the memory, deepens it.

That’s also why I felt the need to accompany the EP with a short documentary: to show the real context of the journey and the process, and to let the images and places it comes from emerge naturally.

How did the collaboration with Fake Mantra come about on this project, and what did he bring to your music?

Fake Mantra is Matteo Costanzo’s new project — for a long time we’d been saying we should collaborate. He has a very strong melodic and harmonic sense. On “Ayawaska” and “Uros” his contribution was crucial: he gave the tracks a very marked emotional and imaginative dimension.

How will you bring Semillas to the stage — in a live setting or DJ sets? More listening, more club, or a hybrid?

For now, mostly in DJ sets. As Mondocane I work a lot with unconventional clubbing: following psychedelic, percussive trajectories that aren’t defined by BPM, sometimes leaning into hypnosis, sometimes into wake-up calls! I’m not ruling out a live form in the future. Right now I’m working on new tracks, and I hope one day to graft Semillas into a broader flow.